The first time I considered myself an artist was with the Mutations series. Many years ago now. Sometimes I look at the digitized works and I feel that people must be bored by now because I have shared them so much. But on the other hand, I know that wherever I go there will be new people who enjoy discovering them, or rediscovering them if they already know me.
My series are usually small, not so many works, and I got used to work this way (in series) because of the university where I studied, "because that's the way it should be", because there has to be a reason behind them, because we have to know how to explain them, we have to know what we say with them, etc etc. But many times there are no words. And that is why we paint. That's why we have this desperate need to generate images. And many, but many of these images sometimes come as a flash, without warning, without explanation, without knowing why. And sometimes soaking them in words limits them. It shortens their expansive interpretation in the one who observes them. On the other hand I confess that sometimes I like to have the context of a work of another artist (sometimes? always?... I don't know), because sometimes it can be useful to know, to delve into that mind that has produced that work that captivates me so much.
I love Francis Bacon. I love reading his interviews, how he thought, his approach to his work, and his life. That helps me to give his works more of a tint. But I know that his works speak for themselves. Seeing Bacon's work goes through you like a knife, it moves you, it shocks you. And when you are in a "particular" mood it can move even the smallest hair. But that's why I also recognize that his interviews can be anecdotal. A bit to draw the "artist character".
Where I studied I was brainwashed with the "speech", which must have (literally said by one of my professors) a "little story" behind it.
I became indignant. I blocked myself. I didn't know what I was saying, I didn't know what was behind my work, I didn't know how to put words to it. I just knew they were coming from a place so deep, so dark, and in such need of coming to light. I felt I was putting it all out there. I was trying to explain in a graphic way "imagine turning the inside of your body outwards, as if it were a sock", because that was what I felt, that all that vulnerability, that barrier to the outside was being continuously violated, transgressed. That I had no shield from everything that was happening on the outside. It was that painful and terrible.
This series did not heal me. I wrote its little story, which I repeat today, which has real sensations, honest content, but which I will always think that somehow it is not enough, that it does not make sense.
This series did not heal me, and then I stopped painting assiduously for a long time. I no longer remember how long. I felt that I had emptied myself. I didn't know what to say/paint anymore. That emptiness was quite terrible, but what I learned about myself! A lot! There I felt like an artist for a while, really. The origin of that work was so honest, it was so necessary to go through it!
That's why I have this love and respect for it. I accepted the discourse, I embraced it, and today I share it in my posts. It is not a lie, I just feel that it's something forced. Because the image is there and it tells you everything.
I share with you a work from this series called "About what is not said". An oil on canvas 60x80 cm. I will be sharing the rest of the works throughout my publications.
See you and read us!
- La primera vez que consideré que era una artista fue con la serie Mutaciones. Hace muchos años ya. A veces miro las obras digitalizadas y siento que ya deben aburrir a la gente de tanto que las he compartido. Pero por otro lado sé que en todos los espacios en donde transite siempre habrá gente nueva que disfrute descubrirlas, o redescubrirlas si ya me conocen.
Mis series suelen ser pequeñas, de no tantas obras, y me acostumbré a trabajar de este modo (en series) a causa de la universidad donde estudié. “porque así se debe”, porque tiene que haber un motivo detrás de ellas, porque hay que saber explicarlas, hay que saber qué decimos con ellas, etc etc. Pero muchas veces no hay palabras. Y por eso pintamos. Por eso tenemos esa necesidad desesperada de generar imágenes. Y muchas, pero muchas de estas imágenes a veces vienen como un flash, sin aviso, sin explicación, sin saber por qué. Y a veces empaparlas de palabras las limita. Acorta su interpretación expansiva en aquel que la observa. Por otro lado confieso que a veces me gusta tener el contexto de una obra de otro artista (a veces? Siempre?... no lo sé), porque en ocasiones puede ser útil para saber, para ahondar en esa mente que ha producido esa obra que tanto me cautiva.
Amo a Francis Bacon. Amo leer sus entrevistas, cómo pensaba, su manera de encarar su obra, y su vida. Eso me ayuda a darle un tinte más a sus trabajos. Pero sé que los suyos hablan solos. Ver una obra de Bacon te traspasa como un cuchillo, te emociona, te shockea. Y cuando estás en un ánimo “en particular” te puede movilizar hasta el cabello más pequeño. Pero por eso también reconozco que sus entrevistas pueden llegar a ser anecdóticas. Un poco para dibujar al “personaje artista”.
En donde estudié me lavaron el cerebro con el “discurso”, que debe tener (literalmente dicho por uno de mis profesores) un “cuentito” detrás.
Me indigné. Me bloqueé. No sabía qué estaba diciendo, no sabía qué había detrás de mis trabajos, no sabía ponerle palabras. Solo sabía que venían desde un lugar tan profundo, tan oscuro, y con tanta necesidad de salir a la luz. Sentía que estaba poniendo todo allí. Intentaba explicar de manera gráfica “imagínate que das vuelta el interior de tu cuerpo hacia afuera, como si fuera una media”, porque eso era lo que sentía, que toda esa vulnerabilidad, esa barrera al exterior estaba siendo continuamente violada, transgredida. Que no tenía resguardo de todo lo que pasaba en el exterior. Así de doloroso y terrible.
Esta serie no me sanó. Escribí su cuentito, el que repito hoy día, el cual tiene sensaciones reales, contenido honesto, pero que siempre pensaré que no es suficiente, que no tiene sentido.
Esta serie no me sanó, y luego dejé de pintar asiduamente por bastante tiempo. Ya no recuerdo cuánto. Sentí que me había vaciado. Que ya no sabía qué decir/pintar. Fue bastante terrible ese vacío. ¡Pero lo que aprendí de mi! ¡Mucho! Allí me sentí una artista por un tiempo, realmente. Era tan honesto el origen de esa obra. ¡Fue tan necesario transitarlo!
Por eso le tengo este amor y este respeto. Acepté el discurso, lo abracé, y hoy lo comparto en mis posteos. No es una mentira, solo siento que es algo forzado. Porque la imagen está ahí y te dice todo.
Les comparto una obra de esta serie llamada “Acerca de lo que no se dice”. Un óleo sobre tela de 60x80 cm. Estaré compartiendo el resto de las obras a lo largo de mis publicaciones.
Nos vemos y nos leemos!
